партнеры
ПРЕССА

WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), январь 2021 г.

Светлана Гришина, Елена Легчанова «45х75: Вологодский театр для детей и молодежи отметил двойной юбилей премьерой спектакля «Ностальгия по-настоящему»

   Премьерный спектакль «Ностальгия по настоящему» – новый режиссерский дебют Натальи Петровой-Рудой, много лет работающей хореографом-постановщиком: Наталья Леонидовна уже поставила на сцене ТЮЗа детский спектакль «Зайка-зазнайка», а нынешняя премьера – для нее первый опыт постановки «взрослого» спектакля.
   В спектакле театра «Старые песни о нас» Наталья Петрова-Рудая работала вместе с режиссером Ириной Зубжицкой. Эта музыкальная постановка уже почти четыре года с успехом идет на сцене ТЮЗа: здесь иносказательно рассказывается история становления любимого вологжанами театра, а главным действующим лицом наравне с героями является музыка 70-х и 80-х. Хиты советской эстрады не просто навевают воспоминания о молодости – для многих молодых зрителей, которые тоже любят спектакль, это просто любимые мелодии.
   «Я бы не назвала премьерный спектакль продолжением «Старых песен о нас», – говорит Наталья Петрова-Рудая. – В «Ностальгии по настоящему…» c ним многое перекликается, но персонажи здесь совершенно другие, и сама история другая». Сценарий написали актеры театра Василий Лимонов и Игорь Рудинский. «Стержнем» музыкального сюжета стало путешествие на поезде: совершенно разные люди встречаются в одном вагоне, у каждого из них свои воспоминания и мечты, которые так или иначе находят отклик у всех остальных, как это часто бывает среди попутчиков. «Наша жизнь удивительно похожа на путешествие на поезде, – размышляет режиссер. – В какой-то момент мы начинаем понимать, что на некоторые станции мы больше никогда не вернемся, а то, что раньше казалось черной полосой в жизни, сегодня оказывается самым ярким воспоминанием...».
   В спектакле звучат хиты 80-х и 90-х – у тех, кому сейчас за 40, с этими мелодиями многое связано. «Ласковый май», ламбада, внезапно ворвавшиеся в эфир зарубежные шлягеры, группа ДДТ и рождение русского рока – музыкальная палитра этого периода необычайно разнообразна, и создатели спектакля старались отразить это многообразие. Режиссер-постановщик вместе с заведующей музыкальной частью Ларисой Васильевой составили плей-лист, учитывая, кто будет исполнять ту или иную песню, а потом авторы сценария придумали историю для каждого из актеров.
   «Слыша знакомую музыку, зритель будет смотреть не только ту историю, которую мы ему предлагаем, но и находить ассоциации с собственной жизнью, – отмечает Наталья Петрова-Рудая. – Для кого-то 90-е – это рэкет, очереди и нехватка денег, а для кого-то – любовь, студенчество, начало работы. И нам очень хочется, чтобы каждый зритель увидел в этом спектакле свою собственную историю».
   Премьера спектакля «Ностальгия по настоящему» плавно перешла в праздничный вечер, посвященный двойному юбилею театра и его худрука. Поздравить ТЮЗ и Бориса Гранатова пришли представители власти, бизнеса, коллеги из других театров.
   Сам виновник торжества – режиссер Борис Гранатов – на праздничном вечере тоже выступил в неожиданном для зрителей амплуа: исполнил композицию Александра Розенбаума «Вальс-бостон», которой подпевал весь зал, и таким образом подтвердил статус ТЮЗа как «самого поющего вологодского театра».


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), январь 2021 г.

Интервью художественного руководителя Вологодского театра для детей и молодёжи народного артиста РФ Бориса Гранатова.

О новой постановке, репетиции которой начались в театре после новогодних каникул, рассказал cultinfo художественный руководитель Вологодского ТЮЗа народный артист России Борис Гранатов. Речь также зашла и о других планах театра, о том, как он преодолевает трудности, связанные с пандемией, и в какой творческой форме встречает очередной юбилей.
   Борис Александрович, спектакль «Старые песни о нас», поставленный в 2017 году, – один из самых любимых у зрителей. Именно поэтому театр решил снова обратиться к такому материалу?
   В первом спектакле рассказывалась – условно, конечно, – история создания нашего театра. ТЮЗ появился в Вологде в 1976 году, и на сцене звучат песни 70-х – 80-х. В этом году у театра юбилей, и мы решили поставить новый подобный спектакль. Но музыка в нем будет другая – песни и мелодии конца 80-х и самого начала 90-х. Время «перестройки».
   Режиссером-постановщиком спектакля 2017 года была Ирина Зубжицкая – главный режиссер Ивановского драматического театра, с которой мы давно сотрудничаем. Я начинал переговоры о постановке с ней, но у нее сейчас нет времени: накопилось много работы в своем театре. Над тем спектаклем вместе с ней работала Наталья Петрова-Рудая, наш хореограф и режиссер: она поставила у нас сказку «Зайка-зазнайка» и начала репетировать спектакль «Тот самый Мюнхгаузен». Поэтому спектакль-концерт я предложил сделать ей.
   Сценарий новых «Старых песен» написали актеры театра Василий Лимонов и Игорь Рудинский, оформят постановку художники Виктор Пушкин и Ольга Резниченко, а заведующая музыкальной частью Лариса Васильева уже вызывает актеров на вокальные репетиции.
   Сюжет раскрывать не хочется – должен же быть какой-то сюрприз для зрителя! Скажу только, что у нас в спектакле едет поезд – из прошлого в наши дни, «оттуда – сюда». Это будет музыкальный портрет времени, сквозь которое двигался и развивался наш театр. Как и в первом спектакле. Но если там была обыграна ситуация «Ревизора» (когда выпускников театрального вуза в Доме культуры ошибочно приняли за комиссию проверяющих), то здесь – полностью самостоятельная история. Это время перестройки, и в спектакле есть разные его приметы: и «вареные» джинсы, и новоявленные торгаши, и «Ласковый май», и ламбада…
   Чем, на ваш взгляд, объясняется сегодняшняя любовь к старой эстраде?
   Люди соскучились по хорошим мелодиям, хорошим текстам, хорошим песням. Мне кажется, мода на рэп пройдет, и вряд ли через 20 лет его будут слушать с такой же ностальгией. А мелодии хороших композиторов остаются в памяти навсегда. Причем они и молодежи нравятся. Мы же смотрим, кто приходит к нам на спектакль «Старые песни о нас»: очень много тех, кому 40 и больше, но много и молодых – слушают, аплодируют и радуются. Для них это не воспоминания о прекрасной юности, а просто хорошая музыка.
   Нашему театру исполняется 45 лет, и многие из нас хорошо помнят 80-е годы. Я пришел сюда работать в 1985-м, и у меня не осталось ощущения, что это было какое-то темное время, как сейчас принято вспоминать «перестройку» и «лихие 90-е»… Жили и весело, и радостно. Даже в конце 90-х, когда случился дефолт, и зарплаты не было вообще, мы выпускали хорошие спектакли. Я вспоминаю то время с удовольствием.
   Вернемся к предстоящему юбилею: в каком творческом состоянии театр подходит к своему 45-летию?
   В прекрасном! Последние несколько лет я редко провожу сборы труппы. Раньше они проходили регулярно: приходилось обсуждать и дисциплину, и профессиональное отношение к работе. Сейчас, когда мы собираемся, то говорим о наших творческих планах, и мне уже не приходится заставлять артистов заниматься вокалом, танцем и сценическим движением. Артисты прекрасно понимают, что если они не будут заниматься, они не споют и не станцуют. А музыкальных спектаклей у нас в репертуаре много. Первый мюзикл «Тринадцатая звезда» мы поставили еще в 1996 году, потом были и «Человек из Ламанчи», и «Гусарская баллада», и другие. «Алые паруса» идут на сцене уже 8 лет, «Старые песни о нас» – 3 года, и всегда с аншлагом. Залог успеха таких спектаклей в том, что все артисты находятся в хорошей творческой форме, все хотят работать. Конечно, это касается не только мюзиклов, но и других спектаклей, и самостоятельных внеплановых работ актеров, лучшие из которых включаются в репертуар.
   На злобу дня: ко многим ограничениям в связи с пандемией мы уже почти привыкли, но театру наверняка трудно примириться с ситуацией, когда зал можно заполнить лишь на четверть...
   Мы все очень устали от отмен спектаклей. У нас всё было отменено в апреле и мае, понемногу работать со зрителем мы начали только осенью. Спектакль «Тот самый Мюнхгаузен», которым должен был открываться сезон 2020–2021 годов, мы репетировали на сцене всего два дня – 27 и 28 марта, а потом пришлось делать это дистанционно. Из-за нехватки денег в связи с пандемией мы не успели сделать к нему декорации, и теперь его премьера перенесена на май этого года.
   Очень ждем разрешения заполнять зал больше, чем на 25%. Понимаю, что без ограничительных мер нельзя, хотя ведь в транспорте и супермаркетах плотность людей больше, чем в театре...
   Из-за того, что мы несколько месяцев не работали, катастрофически не хватает времени на репетиции новых спектаклей: мы давно не репетировали и не показывали многие спектакли текущего репертуара. Например, сейчас на февраль поставлен «Каменный властелин», который не шел с октября, и чтобы репетировать его, нам придется отменять репетиции «Старых песен – 2». Конечно, в сложившейся ситуации артисты стараются беречь себя, соблюдают все меры предосторожности: у нас небольшая труппа, и если заболел кто-то, занятый даже в небольшой роли, например, в «Алых парусах», то спектакль уже не сыграть.
   С какими еще проблемами театр столкнулся в «эпоху коронавируса» и как он их решает?
   Нам сократили бюджетное финансирование – пострадали и оплата коммунальных услуг, и новые постановки, и зарплата. А разрешенные 25% заполняемости зала не дают возможности заработать. Но мы репетируем, делаем декорации – одним словом, выкручиваемся, хотя приходится нелегко. По плану театр должен ставить 5 спектаклей в год, один из них финансируется из федерального бюджета по программе поддержки театров для детей и молодежи. На каждый спектакль нужно как минимум полтора месяца репетиционного времени, и любые обстоятельства, тормозящие процесс, ставят под угрозу своевременный выпуск премьеры.
   Огорчают и другие моменты, не связанные с коронавирусом. Сейчас мы отчитываемся цифрами: столько-то премьер, столько-то показов, столько-то зрителей, столько-то доходов. Но нельзя оценивать работу театра только цифрами. Пять лет назад департаментом культуры и туризма был профинансирован очень хороший проект – фестиваль «Итоги»: театральные критики из Москвы и Санкт-Петербурга отсматривали спектакли вологодских театров, а потом были обсуждения. Такой профессиональный взгляд со стороны необходим театру, чтобы творчески развиваться. Еще раньше у нас регулярно бывала Татьяна Шах-Азизова, московский театральный критик: она хорошо знала репертуар театра и могла судить о его развитии, а для нас было очень полезно выслушать и критические замечания, и положительные моменты. Сейчас такие проекты, к сожалению, не финансируются. Фестиваль премьер «ВОТ» по итогам предыдущего сезона прошел в 2019 году по инициативе Вологодского отделения СТД, но как традиция это не закрепилось.
   Что еще в ближайших планах театра?
   Премьера спектакля «Старые песни о нас – 2» должна состояться 16 апреля, «Тот самый Мюнхгаузен» – в конце мая. Этим летом планируется проведение фестиваля «Голоса истории» – там мы будем показывать «Варшавский набат», историю о последних днях жизни Януша Корчака. Мы готовили его к фестивалю еще в прошлом году, но из-за пандемии фестиваль не состоялся. Я думаю, что мы покажем его под открытым небом в Консисторском дворе Вологодского кремля. В июне режиссер из Санкт-Петербурга Евгений Зимин, который поставил у нас «Двенадцать стульев», начнет репетировать спектакль по пьесе Александра Николаевича Островского, скорее всего, «Женитьбу Бальзаминова». Я в это же время буду ставить современную молодежную пьесу (название пока не скажу – идут переговоры с автором), обе эти премьеры планируем на осень.
   Наш театр приглашен на три фестиваля. В мае или в июне в Санкт-Петербурге пройдет фестиваль спектаклей для детей «Арлекин», на котором мы несколько раз бывали. Туда приглашен спектакль «Настоящее неопределенное время». В сентябре в Барнауле ждут наш спектакль «Способный ученик», а в Ярославль на «Розов-Фест», фестиваль в честь драматурга Виктора Розова, пригласили спектакль «Как Зоя гусей кормила». Но мало быть приглашенным на фестиваль – надо еще найти средства, чтобы туда поехать. Если в прежние годы организаторы фестиваля оплачивали проживание, то сейчас всё за счет театров-участников. Зарабатываем мы сейчас минимум, и эти деньги уходят на декорации, костюмы и другие необходимые платежи. Поэтому ищем спонсоров!


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 19 октября 2020 г.

Светлана Гришина «Место действия – наша совесть»: на сцене Театра для детей и молодежи состоялась премьера спектакля «Варшавский набат».

   Спектакль по одноименной повести Вадима Коростылёва посвящен последним дням жизни Януша Корчака, знаменитого педагога, врача и общественного деятеля. Премьера изначально была запланирована на апрель – этой постановкой театр предполагал отметить 75-летие Победы в Великой Отечественной войне. Но, по известным причинам перенесенная на осень, премьера нисколько не потеряла в своей актуальности: ведь, как говорится в прологе к пьесе, время ее действия – Вторая мировая война, а место действия – наша совесть.
   «Это история о стойкости, верности долгу, истинной любви и противодействии человека античеловеческим обстоятельствам», – говорит режиссер спектакля народный артист России Борис Гранатов. Януш Корчак вошел в историю, став олицетворением самопожертвования, как учитель, пошедший на смерть ради того, чтобы до последней минуты оставаться вместе со своими воспитанниками, спасти которых он не мог. Свой след в педагогике он оставил как создатель собственной системы воспитания, основанной на уважении к личности ребенка и его праве прожить собственную жизнь. Воплощением этой системы стала его книга «Как любить ребенка». Ее название словно провоцирует возмутиться: зачем объяснять, как любить – лучше расскажите, как сделать послушным, здоровым, успешным, счастливым и пр. Но Корчак считал, что счастливый и гармоничный человек начинается именно с любви и уважения к маленькому ребенку.
   Эти принципы не были плодом умозрительной теории: жизненный опыт Корчака был достаточно суров и не оставлял места для иллюзий. Родившись в еврейской семье в Варшаве, он с детства чувствовал напряженное отношение к людям своей национальности. Когда Хенрику Гольдшмидту (таково было его настоящее имя) исполнилось 11, у его отца проявилась душевная болезнь. Полагают, что это повлияло на решение Корчака не создавать семью и не иметь детей – он боялся, что недуг может оказаться наследственным. Уже в юности он проявил свой учительский и писательский талант: чтобы заработать, занимался репетиторством и пробовал себя в литературе (в те поры и родился псевдоним Януш Корчак). Однако в качестве профессии он выбрал медицину и имел огромный врачебный опыт: как военный врач прошел три войны – Русско-японскую, Первую мировую и советско-польскую, а в мирное время вел обширную практику. В 1912 году он создает в Варшаве еврейский Дом сирот, воспитанниками которого становятся вчерашние беспризорники. Корчак становится широко известен как писатель и педагог, издает книги, ведет передачу на радио, делится с коллегами своим опытом и изучает чужой.
   Начало Второй мировой войны и оккупация Польши ставят еврейское население страны на грань жизни и смерти. Бывшие ученики, а потом участники Сопротивления не раз предлагают Корчаку уехать из страны и спастись из Варшавского гетто, но он всякий раз отвергает эти предложения, до последнего пытаясь спасти своих подопечных. Когда же надежды на то, что детям удастся избежать страшной участи, не осталось, Корчак и его соратники – коллеги по Дому сирот разделили их судьбу: все они погибли в газовой камере концлагеря Треблинка 6 августа 1942 года.
   Спектакль «Варшавский набат», главным действующим лицом которого является учитель, адресован зрителям от 14 лет. Чем эта история ценна для подростков? По мнению Бориса Гранатова, тем, что говорит о порядочности, соучастии, способности принимать чужое горе как свое собственное. Наверное, образ воспитателя, наставника не случайно вдохновил режиссера на создание этого спектакля: по первому образованию Борис Александрович – педагог. В 1969 году он закончил дефектологический факультет Киевского педагогического института, получив специальность сурдопедагога и дефектолога, после учебы работал в школе для глухих и слабослышащих детей в Киеве.
   В спектакле роль Януша Корчака играет Андрей Камендов: в его исполнении это интеллигент до мозга костей, человек порой чудаковатый, но имеющий крепкий внутренний стержень. Его убежденность в торжестве идей гуманизма не может поколебать ни война, ни ежедневная угроза гибели, ни прямое противостояние фашистам – безнадежное, но несгибаемое. На противоположном «полюсе» стоит оберштурмбанфюрер СС, которого играет Александр Лобанцев. Только задушив в себе голос совести, заставив себя видеть в еврейских детях не людей, а «человекоединицы», Конрад Вольф может исполнять и отдавать бесчеловечные приказы. Чудовищность таких представлений о мире подчеркивают образы подростков Млодека и Млады, созданные Василием Лимоновым и Викторией Чудовой: дети в любых обстоятельствах остаются детьми – познавая мир, они нуждаются в защите, заботе и любви. Учитель до последнего пытается оградить их от ужаса, предлагая увидеть в страшном смешное, и на сцене появляются клоуны, словно служащие воплощением добра и зла.
   Самым драматичным моментом действия становится последний разговор Корчака и Вольфа: эсэсовец подает учителю пропуск из концлагеря, а тот рвет его, отрезая себе путь к спасению. История о том, что некий немецкий офицер узнал в сопровождающем сирот человеке известного писателя и предложил ему свободу, широко известна. В спектакле же момент нравственного выбора заострен до предела: Корчака пытаются заставить «служить» нацистам, поставив свой авторитет врача и учителя на службу массовому убийству. Всё напряженное действие спектакля убеждает зрителя в том, что этот человек не мог выбрать для себя другого пути. «Это антифашистский спектакль, рассказ о тихом подвиге, о великой душе человека», – подчеркивает Борис Гранатов.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 23 декабря 2019 г

Евгений Кондратов «Психологический триллер «Способный ученик» поставили в Театре для детей и молодёжи».

   На сцене Вологодского театра для детей и молодежи состоялась премьера спектакля «Способный ученик» по пьесе Ирины Васьковской в постановке Василия Лимонова.
   Спектакль рассказывает историю Тодда Боудена – любознательного и способного американского школьника образца 1970-х годов. Однажды Тодд узнает, что старик, живущий с ним по соседству – нацистский преступник. Но, вместо того, чтобы выдать преступника правительству, он начинает использовать его в своих интересах.
   Пока ровесники мальчика беспечно играют, главного героя интересует совсем недетская тема – история холокоста. Именно возможность прикоснуться к запретным темам и узнать от старика Дюссандера больше, чем расскажут в учебниках, меняют главного героя до неузнаваемости. Ненормальное увлечение ужасами войны превращает главного героя из обычного подростка в настоящего маньяка, зависящего от страшных историй старика. Становится непонятным, кто является бóльшим чудовищем: бывший нацист, равнодушно отправлявший в газовые камеры невинных людей, или вчерашний отличник и спортсмен, ныне буквально упивающийся подробностями нечеловеческих преступлений.
   В действии заняты всего два актера: Василий Лимонов в роли Тодда Боудена и заслуженный артист России Игорь Рудинский в роли Курта Дюссандера.
   Спектакль максимально минималистичен – декорациями стали пара раскладных стульев и стены, оклеенные газетами. По словам Василия Лимонова, газеты символизируют то обилие информации, в котором существует человек: «Современный мир насыщен информацией и, самое страшное, мы не знаем, как она может на нас повлиять. В последнее время обретает популярность, например, альтернативная история. Влияние этой истории на неподготовленного человека может оказаться таким же разрушительным, как и рассказы Дюссандера на главного героя. Мы должны знать историю и уметь искать правдивую информацию. А еще мы так или иначе должны ее “фильтровать”, иначе количество информации может свести нас с ума».
   Режиссер рассказал, что взяться за этот спектакль его подтолкнули сообщения в СМИ о случаях массовой стрельбы в учебных заведениях, в частности, происшествие в колледже в Керчи в 2018 году: «Этим спектаклем мы не пытаемся рассказать историю холокоста или Великой Отечественной войны, а через такую сложную тему ищем ответ на вопрос, что же движет людьми, которые совершают такие поступки. Если вы надеетесь найти ответ в постановке, то я вас огорчу – его здесь нет. Весь спектакль – разговор со зрителем, где мы не навязываем свою точку зрения, а лишь создаем условия для последующего размышления».
   Для Василия Лимонова это первая режиссерская работа на большой сцене. Здесь он выступил в качестве исполнителя главной роли, режиссера и художника при поддержке коллеги по сцене заслуженного артиста России Игоря Рудинского, руководителя постановки народного артиста России Бориса Гранатова и команды театра.
   «В спектакле поднимается серьезный вопрос о том, как молодое поколение воспринимает тему войны, фашизма и насилия. Эти темы никогда не устаревают, а влияние идеологии насилия, к сожалению, оказывает сильное воздействие на молодое поколение. „Способный ученик“ – это самостоятельная работа Василия Лимонова в качестве режиссера. В нашем театре есть многолетняя традиция, когда в репертуаре возникают спектакли, самостоятельно подготовленные актерами театра. Благодаря постоянному желанию актеров творить, у зрителей появилась возможность увидеть постановку на сложную и всегда актуальную тему», – поделился впечатлениями от работы руководитель постановки Борис Гранатов.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 21 октября 2019 г

Светлана Гришина «На сцену Театра для детей и молодёжи пришёл «Каменный властелин».

   Драма «Каменный властелин», которой театр открыл новый сезон, поставлена по пьесе Леси Украинки (в буквальном переводе с украинского название звучит как «Каменный хозяин»). История Дон Жуана, описанная и в поэзии, и в прозе, поставленная на многих сценах, интересна не столько сама по себе, сколько тем, с какой стороны посмотрит на этот сюжет очередной автор, какой своей гранью повернется к читателю или зрителю известная ситуация и кто окажется главным объектом его внимания. В случае с пьесой Леси Украинки смысловым стержнем становится стремление к власти, и неважно над кем – над женскими сердцами или над целой страной.
   «Интересно не просто рассказать еще одну историю о Дон Жуане, а увидеть новый, женский взгляд на эту историю, – объясняет выбор пьесы художественный руководитель театра народный артист России Борис Гранатов. – Пьеса, написанная в 1912 году, содержит явные политические мотивы. Европа на пороге Первой мировой войны, Россия между двух революций – проблема власти стоит остро и идея свободы витает в воздухе. Что такое мнимая и подлинная свобода, что такое власть, откуда возникает жажда власти – вот эти проблемы волновали автора пьесы».
   Режиссер убежден, что ставить пьесу в формах того времени, когда она была написана, неправильно, тем более что текст появился в начале ХХ века, а речь идет о событиях полулегендарных. Поэтому сценический антураж весьма условен: декорации и костюмы, придуманные Виктором Пушкиным и Ольгой Резниченко, лишь задают направление для работы зрительского воображения. Речь идет не столько о средневековой Испании, сколько об извечном противостоянии личности и общества, мужчины и женщины.
   С точки зрения Бориса Гранатова, этот спектакль – прежде всего история о донне Анне. Во всех историях о Дон Жуане женщины – это его жертвы, а здесь он встречает в женщине сильную личность, способную не только противостоять ему, но и подчинить своей воле. Он пытается завоевать ее еще до того, как она стала женой Командора, но она выходит замуж по расчету – ей хочется жить в столице, бывать при дворе. Когда муж намекает ей о своих планах на трон, она оказывается готова идти вместе с ним по этому пути. Да, она страстно полюбила Дон Жуана, но, убив Командора, он… только помешал ей.
   Каждый из актеров по-своему прочитывает эту историю в рамках режиссерской трактовки. Дон Жуан в исполнении Виктора Харжавина самоуверен, напорист и убежден в своем праве жить так, как хочет – ведь он из тех немногих, кто по-настоящему свободен. Однако его свобода оказывается мнимой, и это со всей очевидностью доказывает ему донна Анна (Дарья Сахновская), заставляя его посмотреть на себя с другой стороны. Принимая как должное жертву своей вечной «невесты» Долорес (Алёна Данченко) и обещая хранить данную ей клятву, в критический момент Дон Жуан легко забывает о ней. Но не забыла о своей главной цели донна Анна.
   «Когда Дон Жуан гибнет, он превращается в камень, но это аллегория, – рассуждает Борис Гранатов. – Каменный властелин – кто это? Убитый им Командор? Или, может быть, донна Анна? Или Дон Жуан сам становится каменным властелином? У нас такое решение: он согласился занять место командора, и это его гибель. Гибелью становится отказ от принципов, и именно об этом говорит пьеса».
   Интересные актерские работы, динамичные многофигурные сцены, неожиданное музыкальное оформление оставляют яркое впечатление от спектакля.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 26 апреля 2019 г

Ирина Сорокина «У каждого своё сумасшествие: премьера спектакля "Как Зоя гусей кормила" сегодня пройдёт в ТЮЗе"».

   Пьесу молодого современного российского драматурга Светланы Баженовой «Как Зоя гусей кормила» поставили на сцене Вологодского театра для детей и молодежи.
   Эту историю режиссер, народный артист России Борис Гранатов выбрал не случайно: «Мне очень понравилась пьеса, она затрагивает целый спектр вопросов. Я думаю, спектакль не оставит равнодушным зрителя: кто-то посмеется, кто-то погрустит. В нашем мире нет чистого жанра – наша жизнь в каком-то роде веселый трагизм, поэтому в постановке есть что-то комедийное, есть что-то трагическое, мы определили жанр как комедию-мелодраму. В нашей работе все строится на ощущении от пьесы, и оно менялось в ходе репетиций. Например, сначала мы хотели, чтобы у каждого героя была песня бардов 1960-70-х годов, потому что молодость одного из персонажей – Владимира – пришлась на этот период. Но на репетициях эта идея отпала, и мы взяли современную песню, знакомую сегодняшней молодежи, потому что главной героине Жене – 18 лет, она ближе к нашему зрителю». Спектакль поставлен к юбилею актрисы театра – заслуженной артистки РФ Валентины Бурбо.
   История о Зое – столетней старушке, на первый взгляд выжившей из ума, содержит много тем для размышления. Зоя (Валентина Бурбо), которую, по словам медиков, уже две недели назад должны были похоронить, оказывается живее всех живых. А все потому, что у нее есть смысл жизни – ее великовозрастный сын Владимир (Эдуард Аблавацкий). Кто, как не она, его защитит, о нем подумает... А он? Устал от ее заботы и заботы о ней. И в то же время понимает, что на всем белом свете это единственный родной человек. Владимир может вызвать у зрителя двойственные чувства: несовременный, живущий под маминым крылом, не умеющий принимать решения, в то же время это человек с по-детски чистой душой, не очерствевшей от жизненных бурь. Он умеет искренне любить, в нем нет эгоизма, хитрости, наглой изворотливости. Противоположность – его друг Плоцкий (Денис Долбышев). Он не настолько умен, но умеет добиваться всего напористостью и наглостью, всю жизнь завидует Владимиру и в то же время смеется над ним.
   Женские образы заставляют зрителя смеяться и плакать от души. Главные героини (Зоя и Женя) покоряют энергетикой и харизмой. Они очень похожи, у каждой есть свое «сумасшествие». Зоя открыла секрет бессмертия – никому не нужный человек на свете живет дольше. Вот и старается придерживаться этой теории, хочет казаться старушкой, выжившей из ума, прикидывается беспомощной, хотя может и в пляс пуститься. В ее деревне, когда приходило время умирать, готовили гроб, человек наряжался, ложился туда и ждал смерть... а на утро мог встать, одеться в лохмотья и идти пасти гусей. Так и Зоя уже который год «пасет» единственного сына, оберегает его от всего (да можно ли от всего уберечь?). Вот и явившуюся на порог нежданно-негаданно Женю (Екатерина Чаукина) пытается выжить. Но не тут-то было! Женя не дает себя в обиду: «Я в детстве белены объелась и быка за рога оттаскала». Есть у этой сбежавшей из дома девчонки мечта – жить в Москве, щеголяя многочисленными нарядами. А ей достается шестидесятилетний мужчина и его престарелая мать. Впрочем, это не самый худший вариант для провинциалки. Ей хотелось вырваться из родительского дома, из деревни, откуда вся молодежь умчалась в столицу, – сбежать любым путем, поэтому она соглашается приехать к незнакомому мужчине. У нее нет образования, но есть молодость, красота, авантюризм – все то, чего так не хватает Владимиру. Она буквально ворвалась в их с Зоей скучную размеренную жизнь, добавила красок. Девушка становится членом семьи, находит общий язык с Зоей, Владимир пришелся ей по душе. Для него и его мамы эта глупая задорная девчонка – глоток свежего воздуха. Но так ли безоблачно счастье? И так ли безопасен большой город, как уже начала думать Женя?
   Эта история о человеческих взаимоотношениях, о нас самих, о тех обстоятельствах, которые могут повлиять на наш характер, наши решения, нашу жизнь. Борис Гранатов предлагает улыбнуться, а местами и посмеяться и при этом увидеть настоящую драму, в которой стоят вопросы нравственного выбора, дружбы и любви.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 1 апреля 2019 г.

Ирина Сорокина «Круговерть, где человек, как снежинка»: на сцене ТЮЗа прошла премьера спектакля «Метель».

   Режиссер Ирина Зубжицкая поставила спектакль по мотивам одноименной повести Александра Пушкина, взяв за основу пьесу известного современного драматурга Василия Сигарева. Премьера состоялась на сцене Вологодского театра для детей и молодежи 30 марта.
   «Ах, судьба, судьба, судьба», – так начинается спектакль. Что же такое судьба? Злой рок или счастливое стечение обстоятельств? Никто не даст точное определение, ведь то, что сегодня казалось бедой, завтра может оказаться благом. И те испытания, которые выпадают героям этой истории – истинное тому подтверждение. Метель в спектакле – не просто обстоятельство, это и есть сама судьба, которая словно руководит жизнью героев, их мыслями, чувствами и поступками.
   В первой части метель – нечто наводящее ужас, почти персонифицированное, завывающее, явно перекликающееся с бурей в голове главной героини, мучимой вопросом, верно ли она поступает, решаясь ради любви на побег из родительского дома. Во второй части метель – легкий полупрозрачный свет счастья, принесенного пониманием, что те непонятные, роковые обстоятельства на самом деле уберегли от неверного шага и в итоге подарили настоящие чувства.
   Метель в спектакле – это и внутреннее состояние каждого героя. Марья Гавриловна находится в эпицентре своей «метели» – любви, которая будоражит ее юную душу. Актрисе Анастасии Латкиной удалось тонко передать и юную восторженность, и терзающие душу сомнения своей героини. Герой ее романа – поручик Владимир Николаевич (Виктор Харжавин) тоже находится в метели чувств, в метели предвкушения, он не столько любит, сколько тешит самолюбие, желая выглядеть этаким бравым молодцом, сумевшим украсть из родительского дома юную барышню. Для подруги, у которой в спектакле даже нет имени, а только инициалы К.И.Т. (Алена Данченко), метель – это приключение, где она в какой-то мере сама режиссер чужого любовного романа.
   Любопытный персонаж, которого ввела в спектакль режиссер Ирина Зубжицкая, – Импровизатор (Игорь Рудинский). Это сочинитель, поэт, на ходу выдумывающий сюжет, который герои тут же разыгрывают. У этого персонажа своя «метель» – вдохновение. Оно захватывает и погружает его в придуманную им же историю – незаметно он сам становится ее частью, одним из главных героев.
   Сюжет, знакомый со школьных лет, воспринимается несколько иначе – возможно, в силу общей ироничной интонации спектакля, а также явственной установки на игровое начало всего происходящего на сцене. Жанр спектакля определен как «играем в Пушкина», и все, что происходит на сцене, это только игра. Не только лицедейство, а игра как процесс, как способ существования, как в детстве, когда играют в дочки-матери, примеряя на себя ту или иную роль. Игра ради игры, когда играющие получают удовольствие от процесса.
   «Современное восприятие иронично, и мы хотели приблизиться к этому, показать сюжет через такую тонкую иронию, – рассказала перед премьерой режиссер спектакля Ирина Зубжицкая. – Влюбленные девушки, верящие в светлую чистую любовь, были и будут всегда и везде, поэтому эта история интересна современному зрителю. Для меня «метель» – это поток жизни, хотя это слишком просто, или судьба, но это витиевато, а ведь все равно человека несет куда-то. Что несет? Энергия внутреннего развития или то, что проще назвать судьбой, или какой-то вселенский ветер. Метель в нашем спектакле – какая-то круговерть, где человек, как снежинка, которую куда-то несет, а он только успевает вздыхать и удивляться».


Петербургский театральный журнал (официальный сайт), блог,
Февраль 2019 г.

Павел Руднев "О красоте и о травме"

   Из массы спектаклей на фестивале премьер Вологодской области «ВОТ» выделялись несколько работ, которые могут достойно представить регион на различных фестивалях, имеют федеральное значение.
   В большой форме лидером был «Сирано de Бержерак» Вологодского театра для детей и молодежи в режиссуре корифея этой сцены Бориса Гранатова. Труппа создала красивую сказку о самом прекрасном человеке на земле, в которой просто и ясно, спокойно и с достоинством творится тот градус идеализма, который чаще всего недоступен сегодня, тотально не совпадает с уличной реальностью. Сила театра — в перемещении зрителя в нездешнее пространство. Ремарка вербализуется, называется время действия — 1640 год, и для зрителя это настолько далеко, что вообразить невозможно.
   Спектакль, как и пьеса, начинается со сцены «театра в театре», но далее действие так и не выходит из пространства Бургундского отеля. Художник Виктор Пушкин разворачивает на сцене изнанку театра, она же — зал для игры в мяч, она же — солнечная французская площадь. На всех поверхностях высокой сценической коробки — охристые пятна, легкая позолота. Когда-то Максим Горький, увидев на сцене самарского театра одну из первых постановок Ростана в России, так влюбился в это «солнце в груди» Сирано, что его отшатнуло от натурализма Короленко и Успенского и сделало неоромантиком. Здесь, в вологодском спектакле, этой солярности вдоволь — французское южное солнце словно ударилось оземь и повисло ошметками на стенах, на костюмах, превратив театр в сияющий чертог.
   Необыкновенно важны для аудитории молодежного театра высокие, не становящиеся предметом пародии, слова о любви, для которой ожидание и терпение важнее быстрого контакта, а смерть не несет ощущения конца и забвения. Где есть и благородство, и хулиганство земного существования, и одно не противоречит другому. На сцене, словно невзначай, стоит типичная плита с предметами противопожарной охраны, и это символично: миссия Сирано — охранять любовь как иссякаемый ресурс, не использовать ее напрасно, не тратить чувство, а накапливать.
   Эти эмоции дает в своей игре артист сильный, обаятельный и оснащенный — Виктор Харжавин. Сирано тут единственный, у кого костюм не театральный, это скорее одежда аутсайдера, странника, может, охотника, исполненная в походном стиле. Он тут в большей степени нелепый неприкаянный художник, чем неотразимый любовник. Артистом найдена удивительная интонация чтения стихов, так, что они не звучат как трескучие рифмованные строки. В ней есть вдохновенность, но нет пафоса, рисовки, трибунства. Так читает не актер, а поэт — человек, полюбивший слова больше реальности, ценящий метафору сильнее, чем то, что ее вызвало. Харжавин выговаривает слова так, словно это редкая пища, что насыщает. Интонация его голоса бархатная, медовая — но не оттого, что ему хочется казаться красивым и изящным, а оттого, что в подборе слов — описание бесконечной любви к миру, всеприятие. Словами поэт мир благодарит за его каждое проявление.
   И вместе с тем Сирано — неудачник. Его костюм странника (художник Ольга Резниченко) лишь свидетельствует, что он в житейской игре на скамейке запасных. Неудачная жизнь заканчивается неудачной некрасивой смертью. В этом — участь художника, того, кто рожден на земле, чтобы мучиться. Поэт никогда не может досказать всего того, что хранится в сердце. Художник всегда проваливается, не достигая совершенства; никогда не удовлетворен собой и словно не совпадает со своей судьбой, все время что то теряет по пути. У этого Сирано его знаменитый нос висит на веревочке в двух экземплярах (побольше и поменьше), их он периодически надевает-снимает, что несколько напоминает невроз героев пьесы Владимира Сорокина «Дисморфомания», которым при отсутствии видимых увечий грезятся несовершенства их тел.
   У Кристиана в исполнении Андрея Камендова — костюм красного солдатика, он полу-Арлекин, полугусар. Ершистый, озорной задира с внешностью Тибальта, но без крайних эмоций. Он позволяет Сирано не то чтобы суфлировать ему, а просто-таки режиссировать жизнь: любые средства хороши ради быстрого результата. В одной из сцен Кристиан наигрывает одним пальчиком на гитаре песенку для Роксаны. Буквально как первый парень двора, альфа-самец, который горазд дать в морду при любом удобном случае, но тушуется, когда надо быть тонким, знать слова и мелодию любви. Так, что то промычал косноязычное под грубо дребезжащую струну.
   Роксана (Анастасия Латкина) — беспокойная, любопытная к жизни девочка — еще не умеет ценить сложное и драматичное, цепляется за пышность и театральность, за эффекты. Она не способна опознать рассинхронизацию внешности Кристиана и зрелости строк, диктуемых невидимым суфлером.
   На сцене — атмосфера французских площадей: маленький любительский оркестрик играет аккордеонную шансонную музыку, французскую польку. Здесь верховодит кондитер Рагно с аккордеоном в руках. Жизнь маленького улыбчивого, открытого героя Дениса Долбышева полностью отдана искусству. Неспособный творить, он видит смысл в том, чтобы быть рядом с поэтами, которых подкармливает как может, аккомпанирует их судьбе. Этакий кормящий отец, раздаривающий себя за право постоять рядом с любимцами муз.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 23 ноября 2018 г.

Светлана Гришина «На малой сцене Театра для детей и молодёжи поставили «Котлован».

   Антиутопия Андрея Платонова стала материалом для самостоятельной работы артистов театра. Над инсценировкой, режиссурой и оформлением спектакля работал Андрей Камендов, сыгравший одну из ролей, остальные роли исполнили Анна Терентьева, Лариса Кочнева и Анатолий Макаровский. В спектакле звучит голос заслуженной артистки России Августы Кленчиной, ушедшей из жизни в сентябре этого года: радиорепродуктор «передает» фрагменты повести Платонова и отрывки из его ранних газетных статей. Работа над спектаклем шла под руководством народного артиста России Бориса Гранатова, художественного руководителя ТЮЗа.
   Сюжет «Котлована» отсылает к эпохе строительства нового миропорядка: потрясения послереволюционных лет, ломка всего существующего ради светлого будущего, которое еще только предстоит создать, привели, как известно из истории, к непредсказуемым последствиям. Пытаясь построить «общепролетарский дом» (для фундамента которого и предназначен котлован), герои повести хоронят девочку Настю – единственное реальное воплощение будущего, представителя того поколения, для которого трудятся и страдают люди сегодня. Жанр спектакля не случайно определен как черная комедия – это полный боли рассказ о том, что насильственно насаждаемое добро неизбежно оборачивается злом.
   Повесть Платонова – очень неожиданный и сложный материал для драматической постановки. Сложен он и в эмоциональном плане, и в плане восприятия особого «платоновского» языка. Андрей Камендов так объясняет выбор этого непростого текста: «Он красивый, чистый и добрый. Удивительно – хотя и не сразу заметно – то, что автор никого не осуждает. Все его герои – дети, сироты, и этим ощущением покинутости, заброшенности пронизана вся повесть. Эти люди, хотели только хорошего – а что получилось? Они строят дом для счастья и вечного отдыха, но в основании этого дома лежит ребенок. Каким оно будет, это будущее, если в его «проекте» изначально допущена ошибка? И получается, что они все – калеки…»
   Текст лишен обычной «событийности», поэтому показать происходящее в действии особенно трудно. Но было найдено неожиданное сценическое решение. В спектакле заняты четыре актера: двое из них (Андрей Камендов и Лариса Кочнева) выступают как своего рода «чтецы», способные, впрочем, активно включаться в действие, а третий (эта роль досталась Анатолию Макаровскому) нарочито бессловесен. Самый «узнаваемый» персонаж – героиня Анны Терентьевой, воплощение девочки Насти. Она словно соткана из противоречий: воздушный наряд – и ужасный быт, праздничная красота – и горе потери матери, пуанты на ногах – и инвалидное кресло. Она словно олицетворяет собой попытку совместить несовместимое, осуществить неосуществимое.
   Еще один неожиданный ход для драматического спектакля: у Насти и у всех других героев есть альтер эго – двойники-куклы. Вообще у спектакля несколько планов, разворачивающихся перед зрителем одновременно. Это проекция всего происходящего на сцене на экран (получается как бы вид сверху) и своеобразный театр в театре: тот самый бессловесный персонаж по ходу действия расставляет на столе свои «декорации» и «актеров» – таблички с надписями, деревянные ящики и глиняные фигурки. «Что касается оформления – можно сказать, что это большой привет авангардному искусству, отсылка к идеям Малевича и Лисицкого, который попытался перевести супрематизм в объемные формы, придумав так называемые проуны – проекты утверждения нового, – объясняет Андрей Камендов. – Глиняные фигурки для спектакля сделал вологодский керамист Иван Беляев. Почему нужна была именно глина? Потому что она чувствуется, это не папье-маше, а настоящий природный материал, и это то, что они копают. Одни фигурки большие – это главные герои, остальные мелкие – масса. Но все они – из одного материала».
   Зрителя спектакля Андрей Камендов как режиссер видит таким: это те, кому неловко ходить строем. Как известно, повесть «Котлован» – произведение школьной программы, и преподать его детям очень непросто. Логично предположить, что постановка адресована в том числе и старшеклассникам, которые, увидев сценическую трактовку сложного текста, смогут составить о нем свое собственное представление.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 8 ноября 2018 г.

Елена Легчанова «Спектакль «Шинель» по повести Николая Гоголя поставили в Вологодском ТЮЗе»

   По-своему рассказали историю маленького человека Акакия Акакиевича Башмачкина артисты Вологодского театра для детей и молодежи. Премьера спектакля «Шинель» состоялась накануне на малой сцене театра.
   Первое, о чем хочется сказать – в спектакле Акакий Акакиевич (Василий Лимонов) из типажа, нарисованного Гоголем, превращается в живого человека. Причем человека довольно молодого и по-своему обаятельного, которому сочувствуешь и сопереживаешь не только с общечеловеческих позиций, но и как-то лично. Вместо глуповатого и недалекого титулярного советника предстает образ по-детски наивного, чудаковатого мечтателя – несмотря на приземленность и «вещественность» его мечты (собственно, самой шинели).
   Так же, как сам Башмачкин, становятся реальными и «населяют» спектакль образы других персонажей. Некоторые из них целиком выдуманы авторами постановки. К примеру, вместо мельком упоминающейся в повести квартирной хозяйки, 70-летней старухи, появляется очень симпатичная и питающая нежные чувства к своему квартиранту хозяйка Анисья (Алла Петрик), а безымянная жена-немка портного Петровича превращается в колоритную сваху (Елена Авдеенко), у которой ноги «нужны для скорости», а голова полна матримониальных планов по устроению судеб знакомых холостяков.
   По ходу действия обращают на себя внимание множество интересных задумок и находок режиссера, художника, артистов. Летающие в темноте буквы, к которым каллиграф Башмачкин относится как к живым («некоторые буквы у него были фавориты, до которых если он добирался, то был сам не свой: и подсмеивался, и подмигивал, и помогал губами, так что в лице его, казалось, можно было прочесть всякую букву, которую выводило перо его», - читаем у Гоголя), изобретательная сценография (художник-сценограф Юлия Моисеева): появляющиеся из незаметных ниш стулья трансформируются то в конторку писаря, то в стол портного, то в кровать, а между превращениями служат полноценными «партнерами» в причудливых танцах героев (хореограф – Наталья Петрова-Рудая). Таинственные па неких существ в серых одеждах (мысленно назвала их мойрами, ткущими нить безрадостной жизни Акакия Башмачкина, а в конце безжалостно ее обрывающими), а также эксцентричные танцевальные пассажи сослуживцев героя и женской половины чиновничьей вечеринки создают очень необычный эмоциональный фон спектакля.
   Сама шинель – сначала старая, заплатанная, серая, а затем (настоящий шедевр портновского искусства) – новая, летящая, сверкающая – становится в спектакле многозначным символом. В прямом смысле – одёжки, по которой встречают, в переносном – мечты и цели, наполняющей жизнь смыслом. Надев обновку, Акакий Акакиевич, до этого существующий на коленях (это замечательно сыграно артистом), становится как будто выше ростом. В его мыслях, озвученных вслух, появляется смелость, даже – дерзость, когда он подумывает о головокружительной карьере, которая может открыться ему. И, странно сказать: зрителю в этом месте нисколько не смешно. Мечты маленького человека в новой шинели о царском троне звучат вполне убедительно, им веришь.
   Спектакль производит очень хорошее впечатление. Знакомый со школьных лет сюжет в интерпретации ТЮЗовцев становится яркой, интересной, современной (а, скорее, вневременной) историей. Заставляющей и посмеяться, и взгрустнуть, и задуматься. А еще – перечитать повесть Гоголя и сравнить впечатление от спектакля с прочитанным.
   Поставил спектакль режиссер Александр Чупин, он же написал инсценировку повести. «Шинель» стала его дипломной работой – Александр сейчас заканчивает режиссерские курсы в Ярославском театральном институте (курс народного артиста Александра Кузина). Но в режиссерском деле Чупин далеко не новичок: он является автором целого ряда спектаклей в вологодских театрах.
   Александр рассказал, что побудило его обратиться к гоголевской «Шинели»: «Сама тема, поднятая в этой истории, очень современна – департаменты и чиновники, эта пресловутая служебная лестница. Но, конечно, главной для меня здесь является проблема художника – белой вороны в нашем обществе и нашей системе. Как он выживает? И может ли он выжить? И мне важно было сделать Акакия Акакиевича молодым, почти ребенком, наивным, с открытой душой, поэтом, художником, занимающимся искусством каллиграфии. И форма, в которой мы говорим об этом, тоже мне близка – гротеск, фантасмагория, трагикомедия. Именно в такой форме можно и нужно говорить о таких сложных и таких понятных вроде бы вещах».
   Ближайший показ спектакля состоится 25 ноября в 18.00. Вологодский театр для детей и молодежи приглашает на премьеру взрослых и подростков, изучающих «Шинель» в школьной программе.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 23 июня 2018 г.

Светлана Гришина «Но кто же он такой? Сложнейший из вопросов!» Театр для детей и молодёжи представил на фестивале спектакль «Сирано де Бержерак»

    Героическая комедия по одноименной пьесе Эдмона Ростана в постановке народного артиста России Бориса Гранатова входит в конкурсную программу XIV Международного театрального фестиваля «Голоса истории». В этот раз театр играл не под открытым небом, а на родной сцене – по словам режиссера, это созвучно духу спектакля, поскольку история, лежащая в его основе, очень театральная. Жизнь героев – как представление на театральных подмостках: яркая, шумная – и короткая, а счастье призрачно, как рисунок на заднике сцены – сменили декорации, и нет его…
    Сирано в исполнении Виктора Харжавина безрассудно храбр, и не только в бою или на дуэли – он не боится назвать бездарность бездарностью, а подлость – подлостью. Но есть то, против чего он бессилен – его страх перед собственной внешностью. Он не верит, что его уродство можно не замечать, хотя те, кто хорошо его знает и любит, действительно не замечают его. Тот же Ле Бре (заслуженный артист России Игорь Рудинский) совершенно искренне советует ему влюбиться, не предполагая, что делает другу больно – ведь он просто «не видит» его длинного носа. Сирано действительно получился очень обаятельным, и его трагедия – в нем самом. «Если говорить об известных исполнителях этой роли, то это Михаил Казаков, Игорь Кваша, Александр Домогаров, Сергей Безруков – все они признанные красавцы, – рассуждает Борис Гранатов. – Но тут дело не во внешности, а в комплексах, во внутренних проблемах».
    Историю Сирано раскрывает слаженный актерский ансамбль, каждый из участников которого по-своему воспринимает главного героя. Для утонченной Роксаны (Анастасия Латкина) Сирано – кузен и друг детства, которому, не стесняясь, можно поведать всё и даже попросить помощи в сердечных делах. Тонко чувствующая девушка, Роксана, однако, не замечает, в каком смятении ее кузен, как больно ему слышать ее признания. Кристиан (Андрей Камендов) устроен просто, но не примитивно. Он с самого начала осознает свою «неотесанность», а по мере общения с Сирано и развития романа с Роксаной с горечью понимает, что занял не свое место. Граф де Гиш (Эдуард Аблавацкий), надменный и самодовольный богач, облеченный властью, ведет свою игру, а будучи «обыгран» Роксаной, жестоко мстит ей. Персонажи второго плана не менее колоритны, например, дуэнья Роксаны (Екатерина Чаукина) и трактирщик Рагно (Денис Долбышев) придают спектаклю комедийный «вкус», делая многие сцены по-настоящему смешными.
    В спектакле занята вся труппа театра, и именно эта многонаселенность создает атмосферу, в которой развивается действие. Публика Бургундского отеля жаждет развлечения и зрелища, и ей, по большому счету, всё равно, какая трагедия разыгрывается у нее перед глазами: умирающему Сирано, произносящему свой последний монолог со сцены, рукоплещут как актеру, хорошо сыгравшему роль. «Пьеса очень театральная. Это не история реального Сирано – Ростан многое придумал, и неизвестно, была ли в его жизни эта несостоявшаяся любовь, – объясняет Борис Гранатов. – Сирано на глазах у зрителей надевает длинный нос, гвардейцы цепляют бутафорские усы. А в финале он на сцене играет свою смерть. Вообще театр – это всегда игра, условность, даже тогда, когда жизнь пытаются воссоздать в формах самой жизни».
    Говоря об атмосфере спектакля, нельзя не сказать о костюмах. Созданные художником Ольгой Резниченко наряды очень условны, но в этой условности, разнообразии и пестроте проглядывает стиль барокко, созвучный пьесе Ростана, а современные детали – пиджак, шляпы и кроссовки – не выглядят инородными. Одинаковые маски, которые в нужный момент оказываются в руках у актеров, напоминают о карнавале и желании скрыть свое истинное лицо. «Кажимость» уродства Сирано подчеркнута тем, что свой бутафорский нос (причем носов два – один длинный, другой вздернутый) актер по временам снимает, меняет один на другой, а впервые он появляется перед зрителем вообще без носа, наверняка вызывая недоуменное: как же так? вот это Сирано!.. Но в этом, возможно, и кроется разгадка его трагедии: ведь он «надевает» свой длинный нос сам, сам закрывая себе путь к взаимности и счастью…
    «Эклектичность костюмов подчеркивает мысль о том, что такая история может произойти в любую эпоху, происходит всегда, – подчеркивает Борис Гранатов. – Этому же служит смешение стилей и жанров в спектакле: там и клоунада, и театр дель арте, вдруг появляется микрофон и современная ударная установка. «Болеро» Равеля (а Равель – это тоже Франция) стало лейтмотивом спектакля, и шествие с масками хорошо легло на эту музыку».
    Пьеса Ростана написана в стихах, и режиссер много работал над выбором перевода. «Мне хотелось, чтобы текст звучал не архаично, чтобы актеры разговаривали сегодняшним языком, – объясняет Борис Гранатов. – В театре звучащее слово должно сразу восприниматься на слух. В основе постановки – перевод Владимира Соловьева с небольшими вкраплениями других переводов». В обращении со стихотворным текстом актерам удалось добиться максимальной естественности – они действительно общаются, думают и чувствуют стихами. И тонкая грань между игрой и искренним чувством, между условностью театра и реальностью эмоции, наверное, и составляет обаяние этого спектакля.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 27 марта 2018 г.

Светлана Гришина «Лёд тронулся, господа присяжные заседатели: на сцене Театра для детей и молодёжи поставили «Двенадцать стульев»

    Поставить поставили, но собственно двенадцати стульев вам тут не покажут (хотя стулья есть, и их ломают, как полагается). А покажут историю о том, что делает с человеком стремление завладеть сокровищем и что за этим стремлением на самом деле стоит. Покажут, насколько может быть сильна уверенность в том, что а) жить хорошо – значит купаться в богатстве, б) для добывания богатства все средства хороши, в) все средства хороши, потому что те, с кем ты на этом пути столкнешься, думают так же. Покажут и то, что социальная справедливость торжествует будто бы случайно – новый клуб строится на деньги, которые при других обстоятельствах еще много лет пролежали бы в стуле в виде жемчуга и бриллиантов.
    В спектакле, жанр которого обозначен как комедия-фельетон, много ярких актерских работ и интересных режиссерских находок. По замыслу режиссера-постановщика Евгения Зимина, в центре зрительского внимания должен оказаться не Остап (к чему мы привыкли по киноинтерпретациям романа), а Воробьянинов. Именно ему, казалось бы, гораздо менее деятельному и активному герою, поручено «высказать» на примере собственной судьбы мысль о том, на что готов пойти маленький человек ради того, чтобы перестать быть маленьким. Но, поддавшись соблазну, он становится на путь утраты самого себя – и в ходе спектакля мы наблюдаем пугающе быструю эволюцию наоборот. Из потомственного дворянина, человека, брошенного в новую чуждую реальность, но хранящего остатки былого достоинства, он превращается в существо, готовое унижаться, подвергаться насилию, обманывать, воровать и даже убить. Но главное то, как быстро он всё это себе разрешает, сам не замечая, что опускается всё ниже и ниже. Актеры Игорь Рудинский и Александр Лобанцев, исполнители роли Воробьянинова в разных актерских составах, каждый по-своему играют этот путь вниз, показывая, сколь мелок и мелочен на самом деле оказался «бывший предводитель». Но их герой достоин и сочувствия, а временами острой жалости, ведь способность понимать всю ложность своего положения, страдать от унижения и собственного бессилия – признак мыслящей и чувствующей натуры.
    Остап Бендер по режиссерскому замыслу фигура, соразмерная, с одной стороны, своему компаньону, а с другой – эпохе нэпа со всеми ее противоречиями. В актерском прочтении Дениса Долбышева Остап – энергичный неунывающий ловкач, способный приспособиться к любым обстоятельствам. Он тонкий психолог, харизматичная личность и виртуозный мошенник – «человек-фейерверк», по выражению режиссера. Когда он говорит, что не любит деньги, а большая сумма нужна ему «из принципа», ему как-то веришь. Но в чем же его принцип? Не он ли всплывает на поверхность в одной из кульминационных сцен – беседе с Кисой после обнаружения последнего стула? Самозабвенно издеваясь над компаньоном-недотепой, он упивается своей властью, которая кажется ему безграничной, – и тут его психологическое чутье подводит его. Логика развития характеров обоих героев закономерно приводит к катастрофе.
    Киса Воробьянинов, возжаждавший богатства и преклонения, смешон и жалок. Но если вдуматься, что толкает его на этот путь? Работая в своем загсе, он чувствует себя никем, а мечта о богатстве дает ему возможность ощутить свою значимость. Ловкий мошенник Бендер недооценивает своего компаньона: желание чувствовать себя «кем-то» настолько велико, что Киса не останавливается перед убийством. Но и сам Остап погнался за богатством не ради самого богатства, а ради того же ощущения прочного фундамента под ногами, которое, увы, ему могут дать только деньги. Таков и отец Федор: и для него искушение призрачной роскошью (хотя какая там роскошь – свечной-то заводик!) оказалось непосильной ношей. Актерский дуэт Виктора Харжавина и Елены Авдеенко – по-настоящему смешной пародийный «роман в письмах», в финале оборачивающийся крахом и безумием.
    В спектакле занята вся труппа театра, поэтому трудно говорить о каждой актерской работе. Но главное, что слаженный ансамбль создает ту атмосферу эпохи, которая захватывает и, по сути, тоже является одним из героев спектакля. Декорация, созданная Кириллом Пискуновым, универсальна: монументальная конструкция на сцене одновременно представляет собой и общежитие студентов-химиков, и Дом народов, и пятигорский курорт, и образцовый ресторан «Прага», и новый клуб, построенный на тещины брильянты. Всё это многоярусное пространство работает и играет наравне с актерами. Смена ракурса превращает декорацию в комнату тещи, в квартиру Елены Боур или будуар Эллочки Щукиной. Художник по костюмам Ольга Резниченко находит для каждого из персонажей то облачение, которое подчеркивает неповторимость его характера и в то же время включает его в общий «поток». Созданная в спектакле по-настоящему эпическая картина жизни советского общества конца 20-х годов требует от большинства актеров многоликости: почти каждый играет по несколько ролей в разных эпизодах. Среди впечатляющих моментов общего плана – нескончаемая перепалка соседей по общежитию, необыкновенно колоритная публика на аукционе, фееричный оркестр пролетарского джаза в ресторане, свадьба Остапа и трагическое по сути противопоставление праздной курортной публики и просящего милостыню Кисы. Цементирующим началом всей разноголосицы в спектакле служит музыка, написанная композитором Василием Тонковидовым специально для этой постановки на сцене Театра для детей и молодежи. Она будит ассоциации, связанные с эпохой, и создает ощущение потока истории, который неумолимо несет с собой и отдельного человека, и всю страну.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 25 декабря 2017 г.

Светлана Гришина «Ваш диагноз несовместим с жизнью»: на малой сцене Театра для детей и молодежи поставили «Обломова».

    «Классика для меня – это то, что всегда: и вчера, и сегодня, и завтра, – говорит о постановке режиссер, народный артист России Борис Гранатов. – Рассказ о давно минувшей эпохе, ее героях и проблемах воспринимается как размышление о сегодняшнем дне. Однако говорить о том, что это актуально, злободневно, не совсем верно, потому что театральное искусство – не сиюминутное, оно говорит о проблемах вечных, общих».
    Как признается Борис Гранатов, пьеса привлекла его своей театральностью, близостью к клоунаде, яркими характерами героев: «В пьесе интересно раскрывается проблема пассивного противостояния человека социуму. На моей памяти в 60-е годы музыканты, художники и поэты уходили работать кочегарами и сторожами – тоже от нежелания «соответствовать», вписываться в рамки, зависеть от социальных институтов. Сегодня эта проблема звучит по-новому».
    Тема «лишнего человека» в русской литературе XIX века знакома каждому со школьной скамьи. Но противопоставление делового Штольца лежащему на диване Обломову до сих пор продолжает вызывать полемику о том, что же всё-таки «лучше» и «правильнее» – деятельное развитие или созерцательное погружение в себя. В спектакле Гранатова столкновение этих жизненных позиций показано с особенной остротой. В характере каждого из героев заострена одна главная черта. Обломов (Эдуард Аблавацкий) не просто лежит на диване в пресловутом халате – всё пространство вокруг него превращается в «диван» с кучей подушек и подушечек, а его халат «без намека на Европу» столь обширен, что укрывает своего обладателя, как ему кажется, от всех тягот жизни. Молодой и честолюбивый доктор Аркадий (Сергей Закутин) при знакомстве с пациентом становится в тупик, не в силах определить, чем же он болен. Штольцу (Александр Лобанцев) бездеятельный образ жизни Обломова так же непонятен, как Обломову – вечная суета «деловых» людей. Нерадивого слугу Захара, грубияна и лодыря (засл. артист России Игорь Рудинский), он не гонит именно потому, что оба они – родственные души. Ольга Ильинская (Ольга Юганова), увлекшись было Обломовым, оплакивает его судьбу, увидев, что ничто не заставит его измениться.
    Но зачем ему меняться? Ради чего? Слыша упреки в лени, этот смешной человек в разных чулках вдруг начинает с жаром рассуждать о смысле и цели житейской суеты – и он очень убедителен в своем презрении к работе ради работы. Словно в ответ ему каждый из героев спектакля становится воплощением деятельности. «Гешефтмахер» Штольц на глазах у зрителя решает деловые вопросы, давая указания посыльным. Доктор приобретает обширную практику и вертится как белка в колесе. Однако эта бесконечная гонка не может вдохновить Обломова – зачем? На какой-то момент, движимый любовью, он встает с дивана и меняет халат на фрак, но его обещание любимой «обойти Екатерининскую канаву с двух сторон» звучит комически. Проговаривается и сама Ольга: она не готова «всю жизнь проворковать под кровлей», но ее требования к будущему избраннику довольно туманны: «Мне мало этого, мне нужно чего-то ещё, а чего – не знаю!».
    Однако и тихий уют в доме вдовы Пшеницыной (засл. артистка России Валентина Бурбо) создается непрестанным трудом хозяйки. У этой работы есть цель – обеспечить удобный быт всем обитателям дома. Обломов, кажется, достиг идеала – ведь это так похоже на его детские воспоминания. Но этот рай затягивает, как болото: убаюкивая и ублажая, в будущем он не сулит ничего, кроме однообразия и вялого покоя. Поэтому, наверное, весть о браке Ольги и Штольца так сильно поражает Обломова – для него это приговор более страшный, чем диагноз доктора.
    TOTUS – человек целый – так называется эта «болезнь». Слово «обломовщина» в спектакле не звучит – конфликт деятельности и бездеятельности выведен из социальной плоскости в плоскость психологии. Доктор, специалист по душевным болезням, утверждает, что человек не может влиться в общество, не «разделившись»: такая-то его часть нужна для работы, такая-то – для семьи, такая-то – для интересов политики и пр. Не в состоянии поделить себя на части, Обломов и гибнет. Но его смерть не разрешает всех тех вопросов, которые стояли перед героями спектакля на протяжении всего действия и которые остались вопросами для зрителя. Что делать? Стремиться всё к новым и новым достижениям, порой жертвуя не только покоем, но и здоровьем? Или залечь на воображаемый диван и, обложившись психологическими подушками, оправдывать свое бездействие отсутствием высокого смысла? Между этими двумя полюсами и качается маятник нашей жизни, а театр помогает нам услышать его стук.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 27 октября 2017 г.

Светлана Гришина «Какая она, «Училка XXI века»? Театр для детей и молодежи представил новый спектакль для подростков».

    Пьеса Виктора Ольшанского «Училка XXI века» (другое название – «Железяка»), написанная чуть больше 30 лет назад, рисует перед нами картину будущего, в котором мы, по сути, уже живем. Конечно, XXI век еще весь впереди и, возможно, наши дети и внуки еще увидят обитаемые искусственные спутники и прочие достижения прогресса. Однако не хотелось бы, чтобы они жили в мире с искусственной травой, с лесами, превратившимися в парки развлечений, и с зоопарками, где доживают век звери, в дикой природе полностью уничтоженные. Где по улицам городов ходят полицейские патрули с автоматами наперевес, школы закрыты, а детей учат роботы…
    Школьная тема, несомненно, найдет живой отклик у публики всех возрастов: все дети учатся в школе, а взрослые – это либо их родители, либо учителя. Сюжет пьесы построен на споре: какой учитель нужнее – тот, который передаст некую сумму знаний, или тот, кто научит думать и сопереживать? Кто лучше справится с процессом обучения – бесстрастная машина или человек? Об этом спорят две учительницы – после закрытия школ одна из них смирилась с новым положением вещей и работает менеджером в компании, поставляющей обучающих роботов, а другая не смогла победить в себе «училку» и хочет учить и воспитывать детей, как раньше.
    Спектакль наполнен событиями, принимающими самый неожиданный оборот. Герои то и дело ломают установленные правила – и в итоге именно на этом пути находят себя. 14 -летний Марк Трайвер взрослеет на наших глазах, из хулиганистого подростка превращаясь в юношу, берущего на себя ответственность за любимую девушку. Мать Марка находит в себе силы отказаться от шлема виртуальной реальности, который полностью заменил ей настоящую жизнь. И только деспотичный Трайвер-старший, поборник идеи деления людей на первый и второй сорт, остается таким же, как был, – и проигрывает. Нэнси Аллен – «училка № 000/а041» – чувствует себя счастливой на своем месте, хотя ведет рискованную игру с обществом, где робота трудно отличить от живого человека – и по внешности, и по поведению. И трудно предсказать, как поведет себя сломавшийся робот, особенно если у него в руках гамма-излучатель или автомат…
    Режиссеру Борису Гранатову, поставившему спектакль, тема учительства особенно близка: по первому образованию Борис Александрович – педагог. «В 1969 году я закончил дефектологический факультет Киевского педагогического института, получив специальность сурдопедагога и дефектолога, – рассказывает режиссер. – Проходил практику, работая с глухими и умственно отсталыми детьми, после учебы работал в школе для глухих и слабослышащих в Киеве. Этот опыт очень пригодился, когда мы ставили спектакль «Сотворившая чудо»: мне не понадобилось приглашать консультанта, потому что я знал ситуацию изнутри и всё, что мог, сам объяснял артистам. Учительские навыки вообще хорошо помогают режиссеру: это умение удерживать внимание, организовывать слаженную работу многих людей. Кроме того, артист, если он правильно профессионально воспитан, учится всю жизнь – и режиссер должен уметь ему в этом помочь. А еще работа сурдопедагога оставила мне очень полезный навык общения жестами – иногда они действуют лучше, чем слова, когда нужно быстро восстановить тишину или привлечь к себе внимание».
    Проблемы школы и воспитания в современном обществе глубоко волнуют режиссера. «Воспитывая – обучай, обучая – воспитывай, здесь нельзя отделить одно от другого, – делится размышлениями Борис Гранатов. – Передать некую сумму сведений может тот же компьютер, но воспитать творческую личность, умеющую самостоятельно мыслить, под силу только профессионалу, любящему детей и свое дело. Сегодняшняя установка на то, что учитель должен давать знания, а воспитание – дело родителей, кажется мне неверной. Не отсюда ли нападения подростков на одноклассников и учителей в школах, страшные драки между детьми?.. Мы в свое время, конечно, тоже дрались, но чтобы подкараулить и впятером избить одного до полусмерти – такого и представить было нельзя. А ведь мое детство пришлось на послевоенное время – я поступил в школу в 1953 году… Конечно, я далек от мысли, что вот я поставлю спектакль – и в сфере образования сразу всё изменится. Но если хоть кого-то это заставит задуматься – уже хорошо».
    Думается, что публика, побывавшая на премьере «Училки XXI века», действительно задумалась над увиденным. Юный зритель – лучший «индикатор» успешности спектакля. 300 с лишним подростков невозможно заставить «сидеть тихо» и «вести себя прилично» на протяжении двух с половиной часов, если им скучно. А тут сидели, внимали, даже смартфонами не светили в темноте. Значит, всё-таки она существует – пресловутая магия театра. И команда спектакля знает свое дело и свою публику, обмануть которую невозможно.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 18 июля 2017 г.

Светлана Гришина «Ностальгия по настоящему в новом спектакле Театра для детей и молодёжи «Старые песни о нас».

    «… в середине июля Театр для детей и молодежи пригласил «избранную» публику на генеральную репетицию нового спектакля. Сказать, что он необычный – ничего не сказать, ведь искушенный вологодский зритель привык к тому, что любая постановка на сцене ТЮЗа – повод для удивления. Сказать, что спектакль музыкальный, тоже мало: труппа Бориса Гранатова давно освоила территорию музыкальных жанров. И, тем не менее, это необычный музыкальный спектакль, необычность которого парадоксальным образом вырастает из давно известного – классического сюжетного хода и шлягеров советской эпохи.
    Итак, в основе сюжета – ситуация гоголевского «Ревизора»: ни в чем не повинных выпускников театрального вуза с дипломами актеров наперевес в местном Дворце культуры принимают за столичную комиссию, приехавшую с проверкой. В ДК моментально объявляется «всеобщая мобилизация», сплотившая весь коллектив перед лицом общей «опасности». Классическое quid pro quo (один вместо другого - лат.) влечет за собой целый ряд анекдотических ситуаций, однако жизнь ДК идет своей чередой: одинокие женщины собираются на вечер «Кому за…», вокально-инструментальный ансамбль «зажигает» на концертах, библиотекарь «спасает» то Булгакова, то Гоголя, лейтенант милиции ловит хулиганов, буфет работает. Но из множества этих незначительных и обыденных событий постепенно вырисовывается картина целой человеческой жизни с ее радостями и горестями, разочарованием и надеждой.
    В спектакле занята вся труппа театра, но главным действующим лицом является музыка – шедевры советской эстрады 50-х – 80-х годов. Песни звучат практически постоянно, и это неудивительно, ведь место действия – Дворец культуры. Но это ни в коем случае не «музыкальное оформление» спектакля – его многочисленные герои живут в этих песнях и этими песнями разговаривают. Каждая мелодия «включает» свое настроение, вызывает к жизни – пусть и на несколько минут – свою историю, выводя на первый план то одного, то другого персонажа. Эти мельком подсмотренные истории склеивают музыкальную мозаику в единое целое, и в результате получается рассказ – о чем?.. Размышлениями об этом делится режиссер-постановщик спектакля Ирина Зубжицкая:
    «Замысел этой истории действительно родился из музыкального материла. В театре традиционно проводятся вокальные вечера – и вот появилась мысль сделать такой вечер спектаклем. Основу для сценария подготовил новый актер театра Сергей Закутин, имеющий собственный режиссерский опыт; с самого начала над постановкой вместе со мной работали музыкальный руководитель Лариса Васильева, балетмейстер и режиссер по пластике Наталья Петрова-Рудая. Художник по костюмам Ольга Резниченко одела героев созвучно музыке и характерам. И замечательно талантливые артисты, конечно, внесли немалую толику – бóльшую часть того, что они предложили, мы подхватили.
    Ни сюжетный ход, ни звучащие в спектакле шлягеры я ни в коем случае не воспринимаю как банальные. Страх перед начальством – настолько глубоко укорененная особенность русского менталитета, что любая вариация этой истории будет актуальна и понятна. Что касается старых песен – в любой ретроспективе есть неотразимое обаяние, а эти мелодии несут заряд позитива и надежды – наверное, поэтому они последнее время невероятно популярны, несмотря на миллионы повторений и перепевок.
    Наш спектакль – это лекарство: от депрессии, от безнадежности, от тревоги. Наверное, не всем оно нужно – и это хорошо, но те, кто в этом нуждаются, его здесь найдут. Конечно, советская эстрада во многом отражала советскую идеологию, и относиться к этому можно по-разному. Но лично для меня эти песни воскрешают детство, когда мир вокруг был радостен и безопасен, а люди жили хоть и скромно, но с надеждой в душе. Так что, если не стараться во всем найти глубокие смыслы, то побывать на нашем спектакле – как хороший сон посмотреть».
    Эта история имеет явный вологодский колорит. Здесь, как и в действительности, ТЮЗ начинается с «новосибирского десанта»: основу труппы театра в свое время составили выпускники Новосибирского театрального училища. Узнаваемы и декорации, придуманные сценографом Виктором Пушкиным: классический фронтон и колоннада безошибочно вызывают у вологжан ассоциацию со зданием Театра для детей и молодежи, а заодно и со зданием Городского Дворца культуры. С вологодскими же «достопримечательностями» знакомит мнимую комиссию парторг ДК, и эта экскурсия, как и многие другие эпизоды спектакля, дает хороший повод для смеха.


WEB-портал «Культура в Вологодской области» информационных материалов (www.cultinfo.ru), от 20 марта 2017 г.

Светлана Гришина «Мир не прост, совсем не прост». Поразмышлять об этой непростоте приглашает новый спектакль Театра для детей и молодежи «Утиная охота»

    У этой пьесы Александра Вампилова богатая и сложная сценическая история. Опубликовать ее было трудно, однако интерес к ней не угасает на протяжении четырех десятилетий – об этом говорят постановки на сценах многих театров страны и несколько экранизаций. Русских классиков XIX века интересовала психология и судьба «лишнего человека» – незаурядной личности, не находящей себе применения. Здесь в центре внимания драматурга – личность столь же яркая, сколь и сомнительная в этическом плане. О чем же говорит нам такой герой?
    «Утиную охоту» называют самой сложной пьесой Вампилова. В постановке Бориса Гранатова это в какой-то степени провокационный спектакль. Его главному герою, Зилову, трудно сочувствовать и сопереживать, хотя он не лишен стихийного обаяния. В исполнении Виктора Харжавина Зилов импульсивен и резок, он живет играючи, ничего не воспринимая всерьез. Он без труда убеждает кого угодно в чем угодно: коллегу подбивает на подлог, начальнику сулит быстрый успех в отношениях со своей недавней любовницей, легко и вдохновенно врет женщинам. Презирая в душе своих друзей, он, тем не менее, остро нуждается в их обществе – только в противостоянии, в напряжении надрыва он чувствует себя живым. Они интуитивно «ловят» его на этой слабости и зло шутят над ним, посылая венок «безвременно сгоревшему на работе». Эта мрачная шутка заставляет его присмотреться к себе, и всё происходящее на сцене словно становится поиском ответа на вопрос: «А жив ли я?..»
    Кипучая и шумная «деятельность» – и попойки с приятелями, и мимоходом возникающие и гаснущие романы, и надоевшая работа – не затрагивает Зилова по-настоящему. Поддерживает его только одно – ожидание поездки на утиную охоту. Но все прекрасно знают, что стрелять он не умеет, что дичи на охоте ни разу не добыл. В этом стремлении отчетливо звучит чеховское «В Москву! В Москву!» – мечта, единственное, что придает смысл опостылевшей жизни, но мечта несбыточная. Не случайно в финале так и остается неясным, состоится ли эта поездка…
    Неослабевающая напряженность действия – заслуга всего актерского ансамбля. Чопорный начальник Кушак (заслуженный артист России Игорь Рудинский), трусливый подкаблучник Саяпин (Денис Долбышев), его взбалмошная жена Валерия (Яна Лихотина), простодушный Кузаков (Василий Лимонов), грубоватая и броская Вера (Надежда Старикова), наивная Ирина (Анна Терентьева) – все они создают ту среду, которая отчасти объясняет характер самого Зилова. Но особенно ярко он раскрывается во взаимодействии с двумя персонажами – женой Галиной (Екатерина Чаукина) и официантом Димой (Александр Лобанцев). Жена – похоже, единственная женщина, к которой Зилов когда-то испытывал настоящее чувство, но и оно ушло – об этом говорит яркая, эмоционально тяжелая сцена, когда они пытаются вспомнить свое первое свидание. Диме, исполненному достоинства официанту, предстоит полностью преобразиться в охотника – и этот контраст в его характере настораживает и даже пугает.
    Ритмичное чередование динамичных «массовых» мизансцен, когда перед зрителем предстают все действующие лица, с мизансценами, когда главный герой показан «крупным планом», усиливает впечатление бессмысленной житейской круговерти, из которой так трудно вырваться. Двум героиням – его жене Галине и любовнице Ирине– это удается, но мы видим, сколь острую боль они при этом испытывают. Зилову же это оказывается не под силу: «поминки» по самому себе из трагедии превращаются в мелодраму.
    Многоплановость спектакля подчеркивается особым решением сценического пространства, которое разделено на две части: внизу, непосредственно на сцене, герои «по полной» проживают свою жизнь, а поднимаясь наверх, к оркестру, словно смотрят на себя же со стороны. Фразы, интонации и жесты становятся условными, один и тот же диалог звучит дважды в разных тональностях. Живой оркестр, тоже вознесенный над обыденностью происходящего внизу, усиливает ощущение условности действия. В качестве аккомпанемента запутанным отношениям героев звучат позитивные популярные мелодии 70-х – резкий диссонанс романтических ожиданий и прозаической реальности.
    «Утиная охота» уже ставилась на сцене Вологодского театра для детей и молодежи в 1980-х годах режиссером Геннадием Николаевым. В постановке Бориса Гранатова Вампилов идет здесь в третий раз: в 1991-м им была поставлена пьеса «Прошлым летом в Чулимске», в 2011 – «Старший сын». Нынешний год – год юбилея драматурга, и в планах театра – показать новый спектакль на Международном театральном фестивале современной драматургии имени Вампилова в Иркутске.


страница    1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15